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Gallery Hyundai is proud to present Raging Moon, the first solo exhibition in Asia by Sabine Moritz (b. 1969), a German painter who has been drawing worldwide attention with her exhibitions at major galleries and institutions in Europe. This exhibition features around 50 works from Moritz’s abstract and figurative paintings and unique etchings produced between 2015 and 2022, spotlighting the ways in which she has experimented in flexible ways with the traditional genre and medium of painting.

The poetic title of the Raging Moon exhibition is taken from “In My Craft or Sullen Art,” a poem by Dylan Thomas, a Welsh poet who was one of the preeminent figures in 20th century British literature. In this poem, Thomas writes of how the goal of creation is “not for ambition or bread / Or the strut and trade of charms / On the ivory stages,” but merely to serve the trembling and echoes of the “secret heart.” Relating deeply to the ironic and contradictory aspects of this work, Sabine Moritz chose Raging Moon as a title symbolizing her unique visual language and aesthetic vision, which transforms over time like the moon as she freely alternates between abstract and figurative art. 

Moritz has chosen the number “4” as a concept for her inaugural solo exhibition in Asia, encompassing the opposing qualities and ideas present in her work: figurative and abstract, order and chaos, reason and impulse, humanity and nature. In contrast with its meaning in the East, where it is often associated with death, the number “4” signifies order and stability in the West: the four basic elements of all things (earth, air, fire, and water), the cardinal directions, the seasons, and the concept of justice in Pythagorean cosmology. The rectangular and square shapes of the work tie in naturally with the exhibition concept; placed side by side in groups of four on the gallery’s walls, the abstract paintings appear before the viewer as a set resembling a series—or perhaps a family.

The Gallery Hyundai exhibition Raging Moon focuses on Sabine Moritz’s original creative approach, which nimbly moves “again and again” from figurative to abstract and from abstract to figurative. Her abstract paintings are the highlight of the exhibition, evoking startling excitement with their dazzling feast of colors. In order to afford the same kind of free and primal emotional sensory experience that we have when we view and commune with nature, the artist begins applying her brush without any preliminary sketches, as though performing a dance before her canvas. Her paints are layered and adjusted until they resonate with the artist herself. The resulting works start from nature and arrive as a higher world of the mythic and cosmic. Her abstract paintings bear titles that reference the four seasons (Spring, Summer, Autumn, and Winter), the month when her exhibition is held (March), natural elements (Land, Wood, and Wind), the natural environment of a particular region (Baltic Sea), and mythological and cosmic entities (Andromeda and Cassiopeia). The explosive spectrum of color and the vibrant rhythm of expressive brushstrokes relate naturally to these titles, richly stimulating the viewer’s feelings and imagination.

Moritz’s still-life, landscape and unique etchings show the traditional art history imagery (flowers, boats, skulls, and so forth) that she has adopted since the early stages of her career, is placed alongside the abstract works. Figurative works that address the coexistence and contradiction of life/death and beauty/ugliness: Chrysanthemums and Skulls (2015) placing a lush bouquet of chrysanthemums in a vase at the center of the canvas alongside skulls, evokes a solemn atmosphere; and Boat (2018) depicting a wooden boat on a river against the backdrop of a vast blue sky stretching beyond the horizon. These works also allude to Moritz’s endless intellectual and aesthetic dialogue with the traditions of Western art history and the notion of the sublime beauty of nature as expressed by landscape art and still-life images with a “memento mori” message.

The artist’s unique etchings hand-colored with oil and/or oil crayon serve as a middle ground between figurative and abstract. Her Rose series (2020/2021) shows 12 works hanging side-by-side; as the title indicates, she has produced etchings of the same object—roses—while boldly yet meticulously applying color over them in oil paints and crayon. Reminiscent of the topos in literature, which uses a single repeated motif to underscore the multilayered aspects of a topic, this approach connects with themes that have preoccupied the artist: the mutability of memory, and the changes in the feelings and perceptions that introduce from one moment to the next. It also parallels the trend in Moritz’s body of work in general, which starts from the figurative and culminates in abstraction. This transition from figurative to abstract is actively visualized in the three etchings titled Vernal (2021), a name that references the spring. Moritz uses her etching to show a tree with branches extended—yet as she covers her canvas in red, blue, green, and yellow oil paints that seems to symbolize the full bloom of spring, the shape of the tree itself is rendered unrecognizable.

Into the traditional language of figurative painting, Sabine Moritz summons images of personal and historical memory that evoke emotions and sensations of beauty and anguish. Her abstract paintings emanate multiple colors, like organisms harboring the primal energy of nature. As Dylan Thomas writes in his poem, the artist is seeking a communion with our “secret heart.”

갤러리현대는 독일의 여성 화가 사빈 모리츠(Sabine Moritz)의 아시아 첫 개인전 《Raging Moon》을 3월 11일부터 4월 24일까지 개최한다. 사빈 모리츠는 유럽의 주요 기관과 갤러리에서 전시를 연이어 개최하며 세계적으로 주목받고 있다. 이번 전시에는 사빈 모리츠가 2015년부터 2022년까지 제작한 구상과 추상 회화, 에칭 연작 등 총 50여 점을 대거 공개하며, 회화의 전통적 매체와 장르를 유연하게 실험하는 그의 작업 양상을 조망하는 자리다. 

‘휘황한 달’ 정도로 번역할 수 있는 시적인 전시 제목 《Raging Moon》은 20세기 영국 문학을 대표하는 시인 딜런 토머스(Dylan Thomas)의 시 <나의 기예 또는 우울한 예술로(In My Craft or Sullen Art)>에서 차용되었다. 시인이 창작을 하는 목적은 야망이나 빵, 과시욕과 영예, 아부를 위한 것이 아니라, 오직 비밀스러운 영혼의 떨림과 공명을 위한다는 내용을 담은 시다. 사빈 모리츠는 이 작품이 품은 모순적이고 역설적인 면에 깊이 공감하면서, 구상과 추상을 자유롭게 오가며 마치 차고 오르는 달처럼 시간의 흐름에 따라 변화 중인 자신만의 시각언어와 미학적 비전을 상징하는 제목으로 《Raging Moon》을 택했다. 

작가는 아시아에서 처음 개최되는 개인전을 기념하며, 구상과 추상, 질서와 혼돈, 이성과 충동, 인간과 자연 등 작업에 내재된 대립적 속성과 개념을 아우르는 전시 구성 컨셉트로 숫자 ‘4’를 제시한다. 동양권과 달리 숫자 ‘4’는 서양에서는 만물을 구성하는 기본 요소인 물, 불, 흙, 공기의 사원소, 나침반의 동서남북, 봄, 여름, 가을, 겨울의 사계절, 피타고라스 우주론에서의 정의(正義) 등 질서와 안정을 의미한다. 또한 작업의 직사각형과 정사각형 형태는 자연스럽게 전시 컨셉트와 연결되고, 전시장 벽면에 네 점씩 나란히 놓인 추상 회화는 하나의 연작 혹은 하나의 ‘가족’으로 관객과 마주하게 된다. 

갤러리현대의 개인전 《Raging Moon》은 구상에서 추상으로, 추상에서 구상으로 ‘다시, 또다시 (again and againg)’ 민첩하게 옮겨가는 사빈 모리츠의 독창적 창작 방식에 주목한다. 《Raging Moon》전의 하이라이트는 찬란한 색의 향연이 놀라운 감흥을 일으키는 사빈 모리츠의 추상 회화다. 작가는 자연을 보며 공명할 때의 그 원초적이고 자유로운 감정과 감각을 선사하기 위해 아무런 스케치 없이 화면 앞에서 춤을 추듯 붓질을 시작한다. 작가 자신에게 울림을 줄 때까지 물감은 축적되고 수정된다. 이렇게 완성된 작품은 자연에서 출발해 신화와 우주의 고차원적 세계에 다다른다. 작가는 <Spring>, <Summer>, <Autumn>, <Winter>의 사계절, <March>와 같은 전시가 열리는 특정한 달, <Land>, <Wood>, <WInd> 등의 자연 요소, <Baltic Sea>라는 지역의 특수한 자연환경, 그리고 <Andromeda>, <Cassiopeia> 등의 신화적이고 우주적인 작품 제목을 추상 회화에 붙인다. 폭발하는 색의 스펙트럼과 표현적 붓질의 생기 넘치는 리듬감은 작품 제목과 자연스럽게 연결되어 관객의 정서와 상상력을 풍성하게 자극한다. 

먼저 꽃, 배, 해골 등 작가가 활동 초기부터 소재로 삼은 미술사의 전통적 도상을 그린 정물화와 풍경화, 에칭 작품이 전시의 주를 이루는 추상 작품과 함께 놓인다. 화병에 꽂힌 풍성한 국화와 해골을 화면 중앙에 배치한 <Chrysanthemums and Skulls>(2015), 큐비즘의 선두주자 조르주 브라크의 작품에서 영감을 받은 <Braque’s Shell>(2015), 수평선 너머 펼쳐진 광활한 푸른 하늘과 강가에 덩그러니 놓인 나무배를 그린 <Boat>(2018)는 삶과 죽음, 아름다움과 추함의 공존과 역설을 은유하는 구상 작업이다. 또한 이 작품들은 정물화의 ‘메멘토 모리 Memento mori’, 풍경화가 전하는 자연의 숭고미라는 서양 미술사의 전통과 사빈 모르츠와의 끊임없는 지적, 미적 대화를 암시한다. 

전시장 곳곳에 전시되는 사빈 모리츠의 에칭 작품은 구상과 추상의 중간지대 역할을 한다. 12점이 나란히 걸린 <Rose>(2020, 2021) 연작은 제목대로 장미라는 동일한 대상을 에칭으로 형상화하고 그 위에 유화 물감과 크레용을 사용해 섬세하고 과감하게 색을 덧입힌 작업이다. 동일한 모티프를 반복하면서 주제의 다층적인 속성을 부각하는 문학의 ‘토포스(topos)’ 기법과 유사한 이러한 작업 방식은 사빈 모리츠가 몰두해온 기억의 가변성, 매 순간 개입되는 감정, 감각의 변화라는 일련의 주제와 연결되며, 구상으로 시작해 추상으로 완성된다는 점에서 그의 작업 세계의 흐름과도 일맥상통한다. 특히 ‘봄’을 의미하는 세 점의 <Vernal>(2021)은 구상에서 추상으로의 전환을 적극적으로 가시화하는 에칭 작업이다. 가지가 뻗어 나가는 나무를 에칭으로 형상화하고 있는데, 꽃이 만개하는 봄을 상징하듯 붉은색과 파란색, 연두색, 노란색 유채 물감으로 화면을 완전하게 덮어 나무의 형상을 알아볼 수 없도록 하고 있다.  

사빈 모리츠는 아름다움과 고통의 감정과 감각을 환기하는 개인적 역사적 기억의 이미지를 전통적인 구상 회화의 언어로 소환하고, 자연의 원초적 에너지를 품은 생명체처럼 형형색색의 빛을 발산하는 추상 회화를 그려가면서, 딜런 토머스의 시구처럼 우리가 지닌 비밀스러운 영혼과 공명을 시도한다.