Yun-Hee Toh, one of Korea’s most iconic mid-career female artists, has constructed a singularly poetic visual language over the last four decades. In the artist’s own words, Toh’s practice is a process of “discovering the beauty concealed behind phenomena, beneath the surface of the world.” Toh captures, in her meticulous pictorial language, things that escape our gaze or that exist in the shadows of visible phenomena—fragments and secret corners of unfamiliar lives, or facets of life that remain obscured. For Toh, painting is a way of life—it is less about representing a particular subject than pouring out onto canvas what lives in the abyss of her inner life, through a force of her own.

From the mid-1990s to the early 2000s, Toh was fascinated by the phenomena, organisms, or other materials imbued with infinite temporality, observed from the perspective of her finite humane existence. She looked closely at fossils hidden within depths of the earth, encompassing centuries of history, and cells of microorganisms unobservable to the naked eye. Pencil—graphite, decayed wood reborn through accumulated time and chemical change—took root as the key medium for her practice. She also employed varnish as a symbolic medium, a lens or window into an unknown world and a unique visual tool. Through countless layers of pencil and varnish, Toh created a sense of immeasurable depth, embracing vast eons of time within her works. Layers of thin and delicate pencil drawings were smudged and covered by a repeating combination of oil and varnish, profound traces of the time and labor that stretch over a long period of time.

In the early to mid-2000s, Toh worked simultaneously with literary and visual languages, keeping a diary of the beauty she noted in the world around her and later borrowing some of those written phrases as titles for her works. While pencil and varnish remained her main materials, her growing inspiration from literature gradually led her to an inner conflict between literary and pictorial modes of expression. Through persistent experiments using the vocabulary of painting to capture image-worlds formed by infinitesimal perceptions, Toh achieved a momentous shift from her previous lyrical and evanescent work toward a new pictorial language. Toh’s new series embraces an array of conflicting elements that clash and harmonize, directly and sensually: thin and lustrous surfaces with thick and murky layers, amorphous masses with nimble lines, brightness with darkness, intense colors with subtle energies, and vast movements with almost imperceptible shifts. This unique pictorial language that contains both tension and balance is the result of seeking not merely harmonization but a dynamic conversation between conflicting elements and novel aesthetic possibilities emerging therein. 

Based in Seoul and Berlin, Toh captures delicate moments of everyday life through perceptive observation and sensual expression. To quickly capture the bright lights, swirling colors, and floating shapes flickering before her eyes from moment to moment before they vanish, the artist uses every tool at her disposal—her own hand, her brush, the edge of a broken brush, the bottom of a glass, a hammer—as if she is engaged in a kind of hand-to-hand combat with the canvas. The traditional act of painting is transformed into dynamic gestures: feeling, rubbing, dabbing, layering, and slashing paint. The juxtaposition and accumulation of masses of paint as a condensation of internal energy presents a new dimension in abstraction, conjuring countless afterimages of states of nature and landscapes such as colorful bouquets of flowers, grass flowers sprawling across a field, or their gradual withering. Invoking an internal language through intuitive, physical acts, Toh stresses: “Abstraction is not fantasy. It is not an illusion, a reverie, or an imagination, but something that begins with perception. It’s about being aware of reality—and about making that even richer in a metaphorical sense.”

Born in Seoul in 1961, Yun-Hee Toh earned a BFA and MFA in Western Painting from Sungshin Women’s University, Seoul, and completed a research program in the printmaking at her alma mater. She held her first solo exhibition at Duson Gallery in 1985 and has since devoted herself to painting. From 1992, she lectured at the University of Illinois in Chicago for two years as a visiting scholar. Toh has enjoyed continued critical acclaim both at home and abroad, becoming the first Asian artist to hold a solo exhibition at Galerie Beyeler in Basel in 2007. Toh has also held solo exhibitions at Gallery Hyundai, Seoul (2022, 2015, 2011); Mongin Art Center, Seoul (2008); Kumho Museum of Art, Seoul (1999); and Artemisia Gallery, Chicago (1993), among others. Her works are included in the permanent collections of renowned institutions including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea (MMCA), Gwacheon; Seoul Museum of Art, Seoul; Art Sonje Center, Seoul; Kloster Schönthal, Schönthal; University of Illinois at Chicago, Chicago; the World Bank Group, Washington, DC; and Philip Morris Companies Inc., New York. 

도윤희는 한국을 대표하는 중견 여성 회화 작가로, 40여 년에 걸쳐 시적이면서도 독창적인 시각 언어를 구축해 왔다. 작가의 말에 따르면, 그녀의 작업은 “현상의 배후에 숨겨져 있는, 세계의 표면 뒤에 숨어 있는 아름다움을 찾아내는 과정”이며, 섬세한 회화적 언어를 통해 우리의 시선에서 벗어나거나 가시적 현상의 그늘에 존재하는 것들, 즉 삶의 낯설고 감추어진 단편과 은밀한 구석을 포착한다. 작가에게 회화란 특정 대상의 표현이 아니라 삶의 한 방식이다. 자기 심연에 자리 잡은 것들을 도윤희 자신의 고유한 힘으로 캔버스 위에 끌어내는 과정이다.

1990년대 중반부터 2000년대 초반까지 작가는 유한한 생을 살아가는 인간으로서 무한한 시간성을 지닌 현상, 생명체, 그리고 물질에 매료되었다. 그녀는 수세기의 역사를 간직한 채 지구 깊은 곳에 숨겨진 화석들, 그리고 맨눈으로는 볼 수 없는 미세한 생명체의 세포들을 자세히 관찰하며 시간의 흔적과 본질을 탐구했다. 이 과정에서 시간의 축적과 화학적 변화를 거치며 소멸과 재탄생을 겪은 흑연으로 만들어진 연필은 그녀의 작업에서 중요한 매체로 자리 잡았다. 또한 바니시는 미지의 세계를 들여다보는 렌즈이자 창을 상징하며 독창적인 시각 장치로 구현됐다. 작가는 연필과 바니시를 수없이 쌓아 올리며, 헤아릴 수 없는 깊이와 함께 광대한 시간의 흔적을 작품 속에 담아냈다. 여러 겹의 얇고 섬세한 연필 드로잉은 반복적으로 겹치고 번지는 기름과 바니시로 덮였다. 이렇게 쌓인 레이어는 오랜 세월 동안 축적된 시간과 노동의 흔적을 상징하며, 그녀의 작품에 깊이와 무게를 더한다.

반면 2000년대 초반부터 중반까지 작가는 문학적 언어와 시각적 언어를 병행하며, 주변에서 발견한 아름다움을 일기에 기록하고 그 문구를 작품 제목으로 차용하기도 했다. 연필과 바니시를 주로 사용하며 문학에서 영감을 얻은 언어로 작업하던 작가는 점차 문학적 표현과 회화적 표현 사이에서 내면적 갈등을 경험하게 되었다. 미세한 인식을 통해 형성된 이미지를 회화적 어휘로 담아 내려는 지속적인 실험을 통해, 작가는 이전의 서정적이고 유한한 작업에서 벗어나 새로운 회화적 언어로 나아가는 전환점을 맞이한다. 도윤희의 새로운 연작은 충돌과 조화가 교차하는 상반된 요소들을 감각적이고 직접적인 방식으로 표현한다. 매끈하며 투명한 면과 두껍고 혼탁한 면, 비정형적 덩어리와 유려한 선, 밝음과 어둠, 강렬한 색채와 은은한 에너지, 그리고 거대한 역동성과 미세한 변화가 섬세하게 병치되며, 긴장감과 균형이 공존하는 독창적인 회화적 언어를 만들어 낸다. 이는 단순한 병합이 아닌, 대립적인 요소 간의 역동적인 대화를 통해 새로운 차원의 미학적 가능성을 탐구한 결과이다.

현재 서울과 베를린을 기반으로 활동하는 도윤희는 섬세한 관찰과 감각적인 표현을 통해 일상의 미묘한 순간들을 포착한다. 작가는 시야를 스치듯 사라지는 강렬한 빛, 소용돌이치는 색채, 그리고 공중에 떠도는 형상들을 놓치지 않기 위해, 자신의 손, 붓, 부러진 붓의 모서리, 유리잔의 바닥, 망치 등 손에 닿는 모든 도구를 활용한다. 마치 캔버스와 육체적으로 맞부딪치는 듯한 과정에서 느끼고, 문지르며, 찍고, 쌓아 올리고, 휘몰아치는 작가의 행위를 통해, 전통적인 회화는 감각적이고 역동적인 제스처로 변모한다. 내면의 에너지가 응축된 색채의 집적은 새로운 추상의 세계를 펼쳐 보이며, 다채로운 꽃다발, 들판에 무성하게 퍼진 들꽃, 혹은 서서히 시들어가는 찰나를 암시하는 자연 풍경의 잔상을 불러일으킨다. 직관적인 신체 행위로 내면의 언어를 끌어내는 작가에게 추상은 “환상이 아니다. 그것은 환영도, 몽상도, 상상도 아닌, 인식에서 출발하는 것이다. 현실이 인지하는 것—그리고 그것을 은유적으로 더욱 풍부하게 만드는 것이다”.

1961년 서울에서 태어난 도윤희는 성신여자대학교에서 서양화를 전공하며 학사 및 석사 학위를 취득한 후, 모교에서 판화 연구 과정을 이수했다. 1985년 두손갤러리에서 첫 개인전을 개최한 이후 오롯이 회화에 몰두해 왔다. 1992년부터 2년간 시카고 일리노이대학교에서 방문 연구원으로 강의를 하며 학문적 교류를 이어 나갔다. 국내외적으로 평단의 주목을 받아온 도윤희는 2007년 아시아 작가 최초로 스위스 바젤의 갤러리 바이엘러(Galerie Beyeler)에서 개인전을 선보였다. 또한, 작가는 갤러리현대, 서울(2022, 2015, 2011); 몽인아트센터, 서울(2008); 금호미술관, 서울(1999); 아르테미시아 갤러리, 시카고(1993) 등 주요 기관에서 개인전을 열며 지속적은 활동을 펼쳤다. 그녀의 작품은 국립현대미술관, 과천; 서울시립미술관, 서울; 아트선재센터, 서울; 클로스터 쇤탈, 쇤탈; 시카고 일리노이대학교, 시카고; 세계은행, 워싱턴 DC; 필립 모리스, 뉴욕 등 유수의 기관에 영구 소장되어 있다.