For over a decade, Simon Fujiwara (b. 1982) has been internationally acknowledged as a key contemporary artist of his generation. His work has been shown in numerous biennales and has also been the subject of solo exhibitions at several significant museums worldwide. His works navigate the shifting questions around identity in an age of technological mediation and emerge from a personal grappling with the contradictions of inherited racial, national, historical, cultural values. In his most ambitious projects that range from a full reconstruction of the Anne Frank House (Hope House, 2016–18) to the “re-branding campaign” for his former high school art teacher after a nude media scandal (Joanne, 2016), Fujiwara deftly navigates culturally potent topics with enigmatic and surprising approaches that broaden conversations and avoid didacticism. Through his multiple formal strategies, Fujiwara is able to use the tools of our hyper-mediated world—from advertising, museum-making to theme park design—to hold a distorted mirror to our contemporary, liberal societies possessed with spectacle, fantasy and authenticity.

Fujiwara is the recipient of the 2010 Baloise Prize at Art Basel and the 2010 Frieze Cartier Award. He was shortlisted for the Preis der Nationalgalerie 2019.

Fujiwara’s recent solo exhibitions include: Simon Fujiwara, Who the Bær, Prada Aoyama, Tokyo (2022-2023); Simon Fujiwara, Hello Who?, CIRCA Art, public screenings in London, Seoul, New York, Milan, Berlin, Melbourne, Los Angeles (2022); Simon Fujiwara, new work, Kunstinstituut Melly, Rotterdam (2021); Who the Bær, Fondazione Prada, Milan (2021); Hope House, Blaffer Art Museum, Dallas (2020–21); Joanne, Arken, Skovvej (2019); Revolution, Lafayette Anticipations – Fondation d’entreprise Galeries Lafayette, Paris (2018); Joanne, Galerie Wedding, Raum für zeitgenössische Kunst, Berlin (2018); Hope House, Kunsthaus Bregenz (2018); Joanne, The Photographers’ Gallery, London (2016); Figures in a Landscape, Kunsthalle Düsseldorf (2016); The Humanizer, Irish Museum of Modern Art, Dublin (2016); White Day, Tokyo Opera City Gallery, Tokyo (2016); The Way, Yu-un, Obayashi Collection, Tokyo (2016); Three Easy Pieces, The Carpenter Center, Harvard University, Cambridge (2014); Rebekkah, Contemporary Art Society, London (2014); Grand Tour, Kunstverein Braunschweig (2013); The Problem of the Rock, Dazaifu Tenmangu Shrine, Fukuoka (2013); 1982, Tate St. Ives, St. Ives (2012); Welcome to the Hotel Munber, Power Plant Contemporary Art Gallery, Toronto (2011); and The Personal Effects of Theo Grünberg, Julia Stoschek Collection, Dusseldorf (2010).

Among recent biennials and group exhibitions are: LOVELOVELOVE Biennale of Moving Image, UCCA, Beijing (2022); something new, something old, something desired, Kunsthalle Hamburg (2022); Biennale de l’Image en Mouvement 2021 (BIM’21), Centre d'Art Contemporain Genève, Geneva (2021–22); It’s Just a Phase, Kjøpmannsgata Ung Kunst (KUK), Trondheim (2021–22); Gravity, Blitz, Valletta (2021); Intimacy: New Queer Art from Berlin and Beyond, Schwules Museum, Berlin (2020–21); State of the Arts, Bundeskunsthalle, Bonn (2020); Manual Override,The Shed, New York (2019); 16th Istanbul Biennial: The Seventh Continent, Antrepo 5, Istanbul (2019); Preis der Nationalgalerie 2019, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin (2019); Distance Intime. Chefs-d'oeuvre de la Collection Ishikawa, MO.CO. – Montpellier Contemporain, Hôtel des Collections, Montpellier (2019); Our Happy Life: Architecture and Well-Being in the Age of Emotional Capitalism, Canadian Centre for Architecture, Montreal (2019); Is This Tomorrow?, Whitechapel Gallery, London (2019); Motherland in Art, Museum of Contemporary Art in Krakow (2018); Sur/Face: Mirrors, Museum Angewandte Kunst, Frankfurt am Main (2017); The Happy Museum, Berlin Biennale 9, Akademie der Künste, Berlin (2016); Joanne, Okayama Art Summit 2016, Okayama (2016); Storylines, Solomon R. Guggenheim Museum, New York (2015); Un Nouveau Festival, Centre Pompidou, Paris (2014); Sharjah Biennial, Sharjah (2013); Shanghai Biennial, Shanghai (2012); Gwangju Biennial, Gwangju (2012); São Paulo Biennial, São Paulo (2010); and the 53rd Venice Biennale, Venice (2009).

The artist’s work is represented in the collections of the American Embassy, London; Museum of Modern Art, New York; the Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Tate, London; Museum of Contemporary Art, Tokyo; Hamburger Kunsthalle, Hamburg; Sammlung Verbund, Vienna; Sharjah Art Foundation, Sharjah; Centre Pompidou, Paris; The Prada Foundation, Milan; Leeds University, Leeds; and the Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main.

사이먼 후지와라(b. 1982, 런던 출생)는 지난 10년을 넘어 국제 미술계에서 한 세대를 대표하는 동시대 미술 작가로 인정받아 왔다. 케임브리지 대학에서 건축학을 공부했으며, 프랑크푸르트 슈테델슐레 예술대학에서 순수미술과를 졸업했다. 현재 베를린에 거주하며 작가 활동을 펼치고 있다. 

후지와라의 작품은 여러 비엔날레와 전 세계의 주요 미술관에서 개인전으로도 소개된 바 있다. 그의 작업은 기술이 매개하는 이 시대의 정체성에 대한 변화하는 질문을 다루며, 이와 동시에 자신에게 주어진 인종적, 국가적, 역사적, 문화적 가치의 모순에 대한 고민에서 이뤄진다. 안네 프랑크의 집을 실물 크기로 다시 만드는 작업(〈Hope House〉, 2016-18)에서부터 누드 사진이 유출되어 스캔들에 휩싸인 자신의 옛 고등학교 미술 선생님을 위한 “리브랜딩 캠페인”(〈Joanne〉, 2016)에 이르는 야심찬 프로젝트에서는 대화의 폭을 넓히고 교훈적 태도를 피하는 불가사의하고 놀라운 접근을 통해 문화적으로 중요한 주제를 기민하게 탐구한다. 작가는 광고와 뮤지엄 만들기에서 테마파크 디자인 등 고도로 매개된 세계에서 쓰이는 도구로 활용해 다양한 형식적 전략을 취한다. 이를 통해 스펙터클과 환상, 진정성에 집착하는 오늘날의 자유주의 사회에 왜곡된 거울을 들이민다.

후지와라는 2010년 아트바젤 발루아즈상과 2010년 프리즈 까르띠에상을 수상했다. 2019년에는 독일 국립미술관 신진작가상 최종 후보에 오르기도 했다.

후지와라는 다양한 미술 기관 및 공간에서 다음과 같은 개인전을 치렀다. 〈Simon Fujiwara, Who the Bær〉, 도쿄 프라다 아오야마 (2022-2023); 〈Simon Fujiwara, Hello Who?〉, CIRCA Art, 런던, 서울, 뉴욕, 밀라노, 베를린, 멜버른, 로스앤젤레스 공공 장소에서 진행된 영상 상영 (2022); 〈Simon Fujiwara, new work〉, 로테르담 쿤스트인스티튜트 멜리 (2021); 〈Who the Bær〉, 밀라노 프라다 재단 미술관 (2021); 〈Hope House〉, 댈러스 블래퍼 미술관 (2020–21); 〈Joanne〉, 덴마크 스코우바이 아르켄 미술관 (2019); 〈Revolution〉, 파리 라파예트 재단 라파예트 앙티시파시옹 (2018); 〈Joanne〉, 베를린 갤러리 베딩 (2018); 〈Hope House〉, 쿤스트하우스 브레겐츠 (2018); 〈Joanne〉, 런던 포토그래퍼스 갤러리 (2016); 〈Figures in a Landscape〉, 쿤스트할레 뒤셀도르프 (2016); 〈The Humanizer〉, 아일랜드 국립 현대 미술관 (2016); 〈White Day〉, 도쿄 오페라 시티 갤러리 (2016); 〈The Way〉, 도쿄 오바야시 컬렉션 유운 게스트하우스 (2016); 〈Three Easy Pieces〉, 하버드 대학교 카펜터 센터 (2014); 〈Rebekkah〉, 런던 컨템포러리 아트 소사이어티 (2014); 〈Grand Tour〉, 쿤스트페어라인 브라운슈바이크 (2013); 〈The Problem of the Rock〉, 후쿠오카 다자이후 텐만구 신사 (2013); 〈1982〉, 테이트 세인트아이브스 (2012); 〈Welcome to the Hotel Munber〉, 토론토 파워플랜트 컨템포러리 아트 갤러리 (2011); 〈The Personal Effects of Theo Grünberg〉, 뒤셀도르프  율리아 슈토셰크 컬렉션 (2010).

최근 참여한 비엔날레 및 단체전은 다음과 같다. 〈LOVELOVELOVE〉 무빙 이미지 비엔날레, 베이징 UCCA (2022);  〈something new, something old, something desired〉, 쿤스트할레 함부르크 (2022); Biennale de l’Image en Mouvement 2021 (BIM’21), 제네바 동시대 미술 센터 (2021–22); 〈It’s Just a Phase〉, 트론하 KUK(Kjøpmannsgata Ung Kunst)(2021–22); 〈Gravity〉, 블리츠 발레타 (2021); 〈Intimacy: New Queer Art from Berlin and Beyond〉, 베를린 슈불레스 박물관 (2020–21); 〈State of the Arts〉, 본 분데스쿤스트할레 (2020); 〈Manual Override〉, 뉴욕 더 쉐드 (2019); 〈16th Istanbul Biennial: The Seventh Continent〉, 이스탄불 안트레포 5 (2019); 〈Preis der Nationalgalerie 2019〉, 베를린 함부르거 반호프 (2019); 〈Distance Intime.   Chefs-d'oeuvre de la Collection Ishikawa〉,  MO.CO.(몽펠리에 현대예술센터) (2019); 〈Our Happy Life: Architecture and Well-Being in the Age of Emotional Capitalism〉, 몬트리올 캐나다 건축 센터 (2019); 〈Is This Tomorrow?〉, 런던 화이트채플 갤러리 (2019); 〈Motherland in Art〉, 크라카우 현대 미술관 (2018); 〈Sur/Face: Mirrors〉, 프랑크푸르트암마인 응용미술 박물관 (2017); 〈The Happy Museum, Berlin Biennale 9〉, 베를린 아카데미 데어 퀸스테 (2016); 〈Joanne〉, 오카야마 아트 서밋 2016 (2016);〈Storylines〉, 뉴욕 구겐하임 미술관 (2015); 〈Un Nouveau Festival〉, 파리 퐁피두 센터 (2014); 샤르자 비엔날레 (2013); 상하이 비엔날레 (2012); 광주 비엔날레 (2012); 상파울루 비엔날레 (2010); 제53회 베니스 비엔날레 (2009). 

이와 더불어, 런던 미국 대사관, 뉴욕 현대 미술관 (MoMA), 구겐하임 미술관, 런던 테이트 미술관, 도쿄 현대 미술관, 함부르크 쿤스트할레; 오스트리아 빈 베어분트 컬렉션; 샤르자 예술 재단; 파리 퐁피두 센터; 밀라노 프라다 재단; 영국 리즈 대학교; 프랑크푸르트암마인 현대미술관 등 다양한 기관에서 사이먼 후지와라의 작품을 소장하고 있다.