Over the course of three decades, Minjung Kim has created works that extend the compositional lexicon of contemporary abstraction through her disciplined and reductive yet inquisitive approach to East Asian traditions of calligraphy and ink painting. Kim works exclusively with traditional Korean Hanji paper, which does not remain merely as the background but functions as both shades of color and the subject of painting itself, a stage for meditation and training. In her repetitive process of burning and layering of Hanji paper, she invokes a ritual of emotional healing and meditation while committing to the naturally singed lines created by the flames. She utilizes fire to represent time and space by experimenting with the flame to accelerate the delicate material’s otherwise centuries-long process of disintegration.
The artist’s decision to focus exclusively on the most basic materials such as paper, ink, and fire appears to have opened up infinite artistic possibilities for her. In fact, the extreme control and concentration that these materials inherently demand requires Kim to dedicate hours, often days, of meditative concentration. At the same time, the artist’s disciplined practice of emptying her mind and exploring the timeless cycle between such elements provides her with a rich artistic drive inspired not only by her own inner world but also by her spontaneous interactions with materiality.
This “collaboration” between paper and fire—the destructive act of burning and obliterating the most delicate of human inventions, paper, with a candle or incense—leads the artist to reflect on the cycle of nature and seek a mindset of emptiness. Transfiguring these into creative energy, Kim creates her own iteration of ink lines, namely burnt marks that leave a deep, sticky taste. She explains that the split moment of burning Hanji contains many thousand years that it takes for paper to disintegrate and disappear. In that Hanji is made from mulberry or paper mulberry tree barks as much as ink sticks are made from soot fixed with glue, all the materials at the artist’s disposal embark from nature and return to it. Kim’s dedication to process and her ruminations on creation and destruction manifest themselves in abstraction together with the formal language of each series.
Kim completes her work through meticulous handiwork and concentration, like a master craftsperson. She uses straw cutters or fire to create ovals or strips of colorful Hanji paper pieces, which are then placed upon a Hanji background—countless variations of shade, form, and texture create a sense of suspension in space defined by cyclical time, revealing a unique aesthetic tension in each work. Three-dimensional effects at the fine seams between thin paper pieces evoke the diligent movements of the artist’s hands and their inherent tactility. For Kim, the creative process is itself a ritual journey from chaos to order, from static to movement, from impulse to restraint, and from void to fullness—and vice versa. In an interview with curator Hans Ulrich Obrist, the artist compares it to “a road towards a spiritual state.” “For me, repetition means losing yourself and going deep inside yourself. I feel that it is the way of practicing Zen. Once you start to repeat for hours and hours you completely lose your sense of reality, which for me, is a very strong feeling of refreshment. And this feeling can be addictive.” Kim’s work, each born as a result of meditative labor, does not reveal their particular subject matter—yet, it opens up various points of connection depending on the experience and memory of viewers, from misty mountain tops or flowers blooming on hills to umbrellas on rainy streets.
Born in Gwangju, South Korea in 1962, Minjung Kim studied traditional oriental painting at Hongik University in Seoul. Confronted with an art scene in Korea the 1970s and 1980s that was largely dominated by male artists, Kim made the decision in 1991 to study overseas at Milan’s Accademia di Belle Arti di Brera. There, Kim’s practice shifted from East Asian color paintings to abstract paintings in ink and color, inspired by the unpredictable effects of pigment absorbing into hanji paper. In the 2000s, her work shifted to cutting and burning hanji paper, disassembling and reimagining the canons of East Asian painting in favor of a meditative yet experimental process.
Minjung Kim’s works are included in the collections of major institutions such as the Metropolitan Museum of Art, New York; Fondazione Palazzo Bricherasio, Turin; Tate Modern, London; the British Museum, London; the Dallas Museum of Art, Dallas; and the RISD Museum, Providence. She has presented solo exhibitions at institutions around the world, including Fondation Maeght, St. Paul de Vence (2024); Almine Rech, Paris (2024); Gallery Nordenhake, Mexico City (2024); Robilant+Voena, St.Moritz (2023); Galerie Commeter, Hamburg (2021); Volker Diehl Gallery, Berlin (2021); Gallery Hyundai, Seoul (2017, 2021, 2025); Hill Art Foundation, New York (2020); Langen Foundation, Neuss (2019); White Cube, London (2018); Gwangju Museum of Art, Gwangju (2018); Hermès Foundation, Singapore (2017); OCI Museum of Art, Seoul (2015); and MACRO (Museo d’Arte Contemporanea Roma), Rome (2012). Her recent group exhibitions include Taipei Biennale, Taipei (2025); Almine Rech, New York (2024); 14th Gwangju Biennale, Gwangju (2023); RISD Museum, Providence (2022); British Museum, London (2019); and Asia Society, New York (2018).
김민정은 동아시아의 서예와 수묵화 전통을 탐구하며 현대 추상화의 구성 어휘를 확장하는 작품을 30여 년 동안 지속해 오고 있다. 전통과 현대의 경계를 넘나드는 예술적 탐구에 중점을 두는 작가의 화업 출발점에는 늘 한국의 전통 종이인 한지가 자리하는데, 이는 단순히 대상이 그려지는 바탕에만 머물지 않는다.작가에게 한지는 색색의 물감이자 회화의 대상 그 자체이며, 명상과 수행을 위한 무대가 되기도 한다. 한지를 태우고 겹겹이 쌓는 과정을 반복하며, 불꽃에 의해 만들어진 자연스러운 선으로 완성되는 그의 작품은 관람자에게 정서적 치유와 명상의 의식을 환기한다. 김민정은 불을 실험적으로 사용해 종이라는 섬세한 재료의 분해 과정을 가속하며 물질과 비물질, 형상과 무형의 경계를 탐구하고 시간과 공간의 흐름을 시각적으로 표현한다.
종이, 먹, 그리고 불과 같은 가장 기본적인 재료들로 제한하고 집중하는 그의 결정은 작가 자신에게 무한한 예술적 가능성을 열어준다. 사실 이러한 재료는 극도의 통제와 집중력을 필요로 하기 때문에 작가는 몇 시간, 때로는 며칠 동안 명상적인 집중력을 발휘해야 한다. 이 과정에서 작가는 자신의 내면 깊은 곳으로 들어가, 예술과 삶의 경계를 허물고 하나가 되는 경험을 하게 된다. 동시에, 마음을 비우며 이러한 재료들의 끝이 없는 순환을 탐구하는 작가의 절제된 작업 방식은 자신의 내면세계뿐만 아니라 물질과의 즉흥적인 상호 작용에서 영감을 받아 풍부한 예술적 원동력을 제공한다. 김민정은 자신의 감정과 생각을 비워내고, 자연스럽게 흐르는 대로 작업을 이어가며, 순산 순간의 감각과 직관에 따라 작품을 완성해 나간다. 이러한 즉흥성과 자발성은 그녀의 작품에 독특한 생명력과 에너지로 나타난다.
인간이 발명한 가장 섬세한 물질인 종이를 촛불이나 향으로 태워 없애는 파괴적 행위인 종이와 불의 ‘협업’을 통해 작가는 자연의 순환과 공의 개념에 대하여 성찰한다. 작가는 이를 창조적 에너지로 전환하며 자신만의 끈끈하고 진지한 맛이 나는 태움의 먹 선을 다듬어 나간다. 한지를 태우는 순간의 행위는 종이가 썩어서 사라지는 몇 천 년의 시간을 함축한다고 설명하는데, 한지가 닥나무나 뽕나무 껍질로 만드는 것처럼 먹 또한 나무를 태운 그을음을 아교로 고정해 만든다는 점에서, 그가 구사하는 모든 재료는 자연에서 출발해 자연으로 돌아가는 셈이다. 작가는 이 과정을 통해 자연의 순환과 생명의 덧없음을 작품에 반영하고, 한지와 먹, 불의 조화로운 상호작용을 통해 독특한 예술적 표현과 행위를 창조해 나간다. 종이를 태우는 순간, 그 짧은 찰나의 시간 속에서 천년의 시간이 압축되어 나타나는 것처럼, 그녀의 작품은 순간과 영원을 동시에 담아낸다. 작품 제작 과정을 향한 작가의 집념, 생성과 소멸에 대한 성찰은 각 연작에서 추상과 형식 언어로 나타난다.
김민정은 태운 한지를 재료로 장인처럼 세심한 수공과 집중의 과정을 거쳐 작품을 완성한다. 작가는 작두로 절단하거나 불로 태워 만든 원형과 띠 형상의 색색의 한지 조각을 한지에 배치하고 색조, 형태, 질감 등을 무수히 변주하며 순환하는 시간에 의해 정의되는 정지된 공간의 감각을 형성해 작품 고유의 미학적 긴장감을 드러낸다. 이러한 과정에서 얇은 한지가 촘촘하게 맞물려 형성된 입체감은 잡념 없이 부지런히 움직이는 작가의 손과 그 촉각적 감각을 환기시킨다. 작가에게 창작의 과정은 그 자체로 혼돈에서 질서로, 정지에서 움직임으로, 충동에서 억제로, 공허감에서 충만함으로, 혹은 그 반대로 나아가는 의례적인 여정과 같다. 작가는 큐레이터 한스 울리히 오브리스트와의 인터뷰에서 이를 ‘영적인 상태에 이르는 길’과 비유한다. “제게 반복이란 자신을 잃는 것이고, 자신의 내면으로 깊게 들어가는 행위입니다. 이것이 참선이나 명상을 실천하는 방법이죠. 몇시간이고 반복하면 자신을 둘러싼 현실마저 사라져요. 이 과정을 통해 더욱 맑아지는 듯한 느낌을 받게 되는데, 이런 느낌은 중독성이 있어요.” 명상과 같은 노동의 결과로 탄생한 개별 작품은 구체적 대상을 보여 주지 않지만, 보는 이의 경험과 기억에 따라 안개 낀 산봉우리, 들에 화려하게 핀 꽃, 비 오는 길거리의 우산 등을 연상하게 하는 다채로운 매력을 지닌다.
김민정은 1962년 광주에서 태어나, 홍익대학교에서 동양화를 전공했다. 1970년대와 1980년대 남성 작가들이 주를 이루던 한국 미술계에 직면한 후, 1991년 밀라노의 브레라국립미술원에서의 유학을 결심했다. 당시 김민정은 한지에 안료가 흡수되는 어떤 예측할 수 없는 효과에 영감을 받아 동아시아 채색화에서 수묵과 채색 추상화로 작업의 방향을 전환했다. 2000년대에는 한지를 자르고 태우는 작업으로 전환하면서 명상적이면서도 실험적인 과정을 통해 동아시아의 회화 관습을 해체하고 재해석했다.
김민정의 작품은 이탈리아 토리노의 폰다치오네 팔라초 브리케라시오, 영국 런던의 테이트모던과 대영박물관, 미국 뉴욕의 메트로폴리탄미술관, 미국 댈러스의 댈러스미술관, 미국 프로비던스의 RISD 미술관 등 무수의 주요 기관에 소장되어 있다. 매그재단, 생폴드방스(2024); 알민래쉬, 파리(2024); 노던하케갤러리, 멕시코시티(2024); 로빌란트+보에나, 생모리츠(2023); 갤러리코메티, 함부르크(2021); 폴커딜갤러리, 베를린(2021); 힐아트파운데이션, 뉴욕(2020); 랑겐파운데이션, 노이스(2019); 화이트큐브, 런던(2018); 광주시립미술관, 광주(2018); 갤러리현대, 서울(2017, 2021, 2025); 에르메스파운데이션, 싱가포르(2017); OCI미술관, 서울(2015); MACRO 로마현대미술관, 로마(2012) 등 세계 유수의 기관에서 개인전을 개최했으며, 타이베이 비엔날레, 타이베이(2025); 제14회 광주비엔날레, 광주(2023); RISD 미술관, 프로비던스(2022); 대영박물관, 런던(2019); 그리고 아시아소사이어티, 뉴욕(2018)등 주요 기관 단체전에 참여하였다.