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“Usually, a painter paints something on the two-dimensional surface that he or she is facing. In my case I place the panel in front of my body and draw lines as far as my body allows without being able to see the pictorial surface. So it is not that I draw something on the two-dimensional surface while seeing it with my eyes, as my conscious instructs me. Rather, it is to represent the process through which my body perceives the two-dimensional surface, via the lines drawn by the movements of my arm.” - Lee Kun-Yong

Bodyscape, the solo exhibition by a master of Korean experimental art Lee Kun-Yong will take place at the Palazzo Caboto in Venice. It highlights the series of paintings of the same name Bodyscape, which has been the artist’s recent focus. First presented in 1976, the work in the Bodyscape series takes form via simple line drawings and marks on canvas created by the motions performed by the artist in some physically constrained state. Expanding one of the most basic languages of painting—the drawing of lines—into a philosophical contemplation of the body’s perception and confirmation of being, the Bodyscape series has involved strict limitations and elements of chance in the creation process that result in both collisions and harmonies, evolving as a result into a more diverse and richer color and expression. Around 20 new works specially created for the Venice exhibition will be on display, along with a video showing the process of production, which demonstrates the creative methodologies behind the Bodyscape series.

The Bodyscape series reflects the essence of Lee Kun-Yong’s ideas and his original aesthetic concerning the body, place, and relationships. The works have been given poetic, philosophical, and explicit titles based on the date they were first shown, their content and form, variations in their methodology, and different approaches to labeling in Korean and English. These titles include Form of Now (現身), The Method of Drawing, Bodyscape, and Body Drawing. Each title includes a “76,” representing the year that the artist first unveiled his series; a number between one and nine, indicating the methodology; and the year it was produced. In 1976, Lee presented seven the Method of Drawing works – representing a portion of his nine total methodologies – at the 5th ST exhibition at the Publishing Culture Hall, Seoul. For this work, he drew lines from behind the canvas (76-1), with his back to the canvas (76-2), and with the canvas beside him (76-3). He also fixed his wrist and elbow in place with splints, which he successively removed (76-4); placed the canvas between his legs (76-5); stretched his arms out to either side with the canvas just in front of his nose (76-6); and used his own shoulders as an axis as he serenely produced semicircular lines on the canvas (76-7). Other approaches included using his whole body as axis to produce large semicircles (76-8) and drawing wing-shaped lines as he moved his arms and legs vigorously as though jumping up and down (76-9).

The conditions and essential logic of “drawing” through which the Bodyscape series is produced lie in the constraints faced by the artist’s own body and the scope of its accessibility. Restricting his body’s range of movement based on factors such as his height or the length of his limbs, Lee moves only as far as his hands can reach or his body can move. He produces lines on the canvas slowly, as though in a form of practice, while rigorously controlling his own freedom of expression. He has described this process as one of his “body moving forward as it perceives the surface”: “Whereas an artist duly draws something on the surface presented in front of him, I place the canvas in front of myself and draw only what my body allows, without looking at the canvas. It is not a matter of me seeing the surface and drawing something on it as my consciousness dictates. Through the lines drawn by the movements of my arms, I am showing the process of my own body moving forward as it perceives the two-dimensional surface.”

Since first appearing in 1976, the Bodyscape series has undergone different transformations. During the 1970s, Lee selected simple materials such as wooden boards, pens, and pencils to clearly record his own body’s movements and the resulting evidence on the canvas. Focusing on a strict, restrained form of visualization that was closer to simple line-drawing than to pictorial expression, he emphasized the body’s constrained conditions – as though it had been reduced to some form of measuring instrument – as well as the transparency of his work’s internal logic. He also recorded the creation process in photographs, as if to prove that the sequence of repetitive acts was itself a logical event. During the 1980s, he made active use of brushes and acrylic paints in different colors, experimenting with vibrant forms of expression in his painting. In the 1990s, the Bodyscape series combined with the Human Term series, which concerned artistic perceptions and interpretations of life, culture, and history. The Bodyscape methodologies would combine on a single canvas with symbols from national and cultural history, evolving into a comprehensive form of painting. By the 2000s, the canvases of the Bodyscape series became mirrors reflecting social issues and portraits of their historical moment. Lee would print photographs on his canvases showing women on the subway, scenes from the Daegu subway fire, and other images; on top of them, he would produce lines with the Bodyscape methodologies, adding a deeper layer of critical examination of the ways in which the artist’s body/places relate and communicate with people living in the contemporary era. During the 2010s, Lee transformed his Bodyscape series once again with variations in the ways in which his body was constrained and the sizes of his canvases.

For the Venice solo exhibition, Lee Kun-Yong concentrates on the most contemporary incarnations of Bodyscape, a series that has transformed into innumerable pictorial experiments since it was first presented. The first floor features work from the Bodyscape 76-1 series, for which the artist stood behind the canvas and produced lines in a natural up-and-down motion based on the reach of his arms, with different colors of paints merging together on the canvases and trickling down. Also presented is Bodyscape 76-2, for which the artist stood with his back to the canvas, applying lines in all directions and leaving only the section corresponding to his own body blank. The second floor features work from Lee’s series Bodyscape 76-3, for which the artist stood next to the canvas and alternated directions from left to right, with the resulting curved lines coming together in a shape resembling a heart. Also on the second floor is work from the series Bodyscape 76-1-Variation, a variation on Bodyscape 76-1, for which he stood behind the canvas and left forceful marks on its front with a brush or a rod with brush attached.

‘한국 실험미술의 거장’, 이건용의 개인전 《Bodyscape》가 이탈리아 베니스에 있는 유서 깊은 건물인 팔라초 카보토(Palazzo Caboto)에서 열린다. 《Bodyscape》는 작가가 최근 주력하는 동명의 회화 연작에 집중한 전시다. 베니스의 개인전에서 작가는 1976년 처음 발표한 이래 무수한 회화적 실험으로 변신해온 <Bodyscape>의 가장 현재의 모습에 집중한다. 베니스 전시를 위해 특별 제작한 신작 20여 점과 <Bodyscape> 연작의 독창적 방법론을 확인할 수 있는 제작 과정 영상, 그동안 작가가 펼친 퍼포먼스 아카이브 영상도 함께 공개될 예정이다.

<Bodyscape> 연작은 신체, 장소, 관계에 대한 이건용만의 독창적 미학과 사유의 정수가 담겼다. 이 연작은 작가가 신체를 제한한 상황에서 간단한 선 긋기 동작을 수행하며 화면에 흔적을 남기는 방식으로 완성된다. 회화의 가장 기초적인 언어인 선 긋기를 신체의 지각과 존재의 확인이라는 철학적 사유로 확장한 <Bodyscape> 연작은 제작 과정의 엄격한 통제와 우연성의 개입이 충돌과 조화를 동시에 이루며, 더욱 다채롭고 풍성한 회화적 색감과 표현으로 진화해 왔다. 이건용은 <Bodyscape> 연작이 지닌 '상호 작용'의 의미를 강조한다. "나의 화면 속의 선은 밖에서 들어간 것이지 내부에서 이루어진 것이거나 구성된 것이 아니다. 따라서 내가 평면상에 선을 긋거나 임의의 흔적을 만드는 행위는 사용된 매체인 연필 · 물감 · 기타 신체 행위가 어떤 상태로 화면 속으로 들어감으로써 그어지거나 섞이거나 흘러내리거나 함으로써, 화면과 이것들의 상호간에 작용한 만큼 드러나는 현상으로서 발견될 것이다."

이건용은 1976년 출판문화회관에서 열린 《제5회 ST전》에서 총 아홉 가지의 <Bodyscape> 연작 중에서 일곱 가지를 ‘그리기의 방법(The Method of Drawing)’이라는 타이틀로 발표했다. 이후, 1970년대 작가는 나무판과 펜, 연필 등 단순한 재료를 택해 몸의 움직임과 그 흔적을 화면에 명료하게 기록했다. 회화적 표현보다는 ‘선 드로잉’에 가까운 엄격하고 절제된 시각화에 중점을 두고, 스스로 측정기가 된 듯 제한된 신체의 조건과 작업의 내적 논리가 지닌 투명성을 강조한 것이다. 또한 반복적인 행위들의 나열이 곧 하나의 논리적인 사건임을 증명하듯 사진으로 제작 과정을 기록했다. 1980년대 들어, 작가는 다양한 색상의 아크릴 물감과 붓을 본격적으로 사용하면서 생동감 넘치는 회화적 표현을 본격적으로 시도한다. 1990년대 <Bodyscape> 연작은 삶과 문화, 역사에 대한 작가적 인식과 해석을 주제로 삼은 <인간항> 연작과 긴밀하게 결합한다. 한 화면에 <Bodyscape>의 방법론과 민족 및 문화사적 기호들이 중첩되면서 총체적인 회화로 진화한다. 2000년대 <Bodyscape> 연작의 화면은 사회적 이슈와 시대상을 반영하는 ‘거울’이 된다. 지하철의 여성, 대구지하철 참사가 일어난 장소 등의 사진을 캔버스에 프린트하고 그 위에 <Bodyscape>의 방법론을 펼쳐, 예술가의 신체-장소가 당대를 살아가는 사람들과 어떻게 관계를 맺고 소통할 수 있는가의 문제의식을 심화한다. 2010년대 들어, <Bodyscape> 연작에서 작가는 신체를 제약하는 방식과 화면의 크기를 변주하여 변형된 형태의 <Bodyscape> 시리즈를 완성한다.

《Bodyscape》전에는 아홉 가지의 연작 중에서 1, 2, 3번의 방법론으로 완성된 작품을 전시한다. 팔라초 카보토 전시장 1층에는 화면의 뒤에서 손이 닿는 영역만큼 상단에서 하단으로 자연스럽게 선이 그어지고 색색의 물감이 화면 위에서 결합해 흘러내리는 <Bodyscape 76-1> 연작과 화면을 보지 않고 등지고 서서 사방으로 선을 그으며 작가의 신체 부분만을 여백으로 남기는 <Bodyscape 76-2>가 전시된다. 전시장 2층에서는 화면 옆에 서서 왼쪽과 오른쪽으로 방향을 바꿔 남긴 둥근 선의 조합이 ‘하트’를 연상시키는 <Bodyscape 76-3> 연작과 <Bodyscape 76-1>의 변주된 작업으로 붓이나 붓을 연결한 막대를 캔버스 뒤에서 앞으로 강하게 흔적을 남기는 <Bodyscape 76-1-변형> 연작을 만날 수 있다. 세 연작은 작가 신체의 한계 혹은 신체의 가용 범위가 ‘그리기’의 전제 조건이자 필연적인 논리가 되는 이건용의 대표작이라 할 수 있다. 이건용은 키, 양팔과 다리의 길이 등에 따라 신체가 움직일 수 있는 범위를 제한하고, 손이 닿는 만큼, 몸이 움직일 수 있는 만큼 이동하며 마치 수행하듯 천천히 선을 화면에 남기며 스스로 표현의 자유를 엄격하게 통제한다. 작가는 이 과정을 “신체가 평면을 지각해 나아가는 과정”이라 설명한다. 2021년 갤러리현대 전시에 이어 베니스에서 열린 《Bodyscape》전을 통해, 선을 그리는 독특한 리듬, 점을 찍는 에너지와 움직임, 자연스러운 색의 만남과 뒤섞임, 신체의 가용 범위에 따른 캔버스 크기의 변주 등 오늘도 이건용의 흥미로운 회화적 실험이 현재 진행형임을 재확인할 수 있을 것이다.